Tras la sombra: la luz.

“Cayayo” es el seudónimo que poseía desde niño Carlos Eduardo Troconis y el distintivo que lo acompañó en su carrera musical. Su despertar a la música fue prematuro, ya a los 11 años tenía una guitarra en sus manos.

Al llegar a la adolescencia su inquietud había crecido y su avidez de expresarse a través de la conformación de una banda se consolida a comienzos de los 80 donde sería parte de el proyecto musical originariamente llamado Dead Felling como guitarrista, más tarde traducido: Sentimiento Muerto, la banda de los corazones tachados, que agitó a las masas y también a las conciencias, con su descarga de rebeldía juvenil y su sonido poderoso. Luego de años de experiencias y con tres discos editados se disuelve Sentimiento Muerto a inicios de los años 90, eligiéndose caminos diferentes.

Cayayo sigue en la ruta musical, y lleno de ideas y expectativas forma Dermis Tatu, inicialmente en guitarras y coros, luego pasaría a liderizar siendo también vocalista de esta agrupación caracterizada por ser una muestra de hard rock con considerable influencia del sonido sureño, de donde surge uno de los discos más importantes en la escena musical venezolana hasta hoy : La violó, la mató, la picó. En 1997 llega el ocaso de Dermis y surge Pan el ultimo proyecto musical, donde Cayayo participaría en guitarras, coros y teclados, donde la experimentación marcaría el compás, fusión de ritmos latinos + rock. Aportando un sonido diferente al finalizar la década de los 90, dejando una única grabación(Ep) homónima.

No alcanzó el tiempo, pues en noviembre de 1999 desaparece físicamente Carlos Eduardo Troconis, hecho que ensombreció el panorama musical y causó un impacto en muchos, difícil de sobrellevar .La sombra de su ausencia, dio paso a la luz que significa para un artista estar vivo, a través de su obra. Hoy simboliza una evocación colectiva, que se ha instalado en la memoria de varias generaciones de músicos y devotos. Su figura sigue plasmada en el imaginario musical, sus acordes y su manera peculiar de crear una composición y vivir la música siguen inspirando a los jóvenes que buscan la autenticidad.

Todo músico venezolano que aspire acercarse al rock, ha palpado la obra de Cayayo. Siempre activo, e incansable, original y carismático. Es considerado uno de los mejores guitarristas, siempre precursor, representa un capitulo inolvidable dentro de la historia de la cultura rock en Venezuela.

Publicado en Allegro Magazine

UNA LÁGRIMA DEL CAPITÁN MELAO:

La apuesta sonora de Javier Weyler.

Capitán Melao es el alter ego de Javier Weyler músico argentino que creció en Venezuela, ex miembro de la banda Claroscuro y actual baterista de la agrupación galesa Stereophonics. Lágrima es su obra prima, editada en el año 2007, y sin duda ha resultado uno de los discos más resaltantes en este año.

Primorosamente ataviado con ilustraciones de Soo Hong (Korea) y el diseño de Juan Pablo Solari, Lagrima, se antoja como una invitación visual a escucharlo, por dentro es una especie de combinación entre los ritmos del caribe como bosanova y bolero con rock y electrónica, de alguna manera se evidencian los géneros por los cuales Weyler se ha sentido atraído y sobre los cuales había deseado experimentar desde hace algún tiempo.

Atmósferas que oscilan entre la calma y la energía acompañadas por la voz sutil de Javier Weyler, y la colaboración de invitados especiales como Phil Manzanera, Eric Aldrey, Natalia Lafourcade, Wladimir Peña y Carlos Eduardo Reyes, hacen de Lágrima un recorrido musical sugestivo.

Las letras giran en torno a los sentimientos, se percibe una tenue melancolía unida a palabras de amor, atisbos de espera y de búsqueda.

Ha sido presentado en Europa, y ha tenido aceptación en Venezuela e Ibero América. Indudablemente un disco ambivalente: sereno e intenso, que nos sorprendió gratamente este 2007.

Gustavo Cerati: "Y que durar sea mejor que arder"

"Y que durar sea mejor que arder"

Gustavo Cerati

Arder y consumirse en un instante? O durar ardiendo?
Gustavo Cerati arde, pero no se consume.

Hombre en la ruta musical por espacio de un poco más de dos décadas.
Pionero del rock en Latinoamérica, elogiado por la crítica musical española, con el título de lo mejor del pop de Latinoamérica, o el sobresaliente pop de “allá”.
Que sería para los de este lado, lo mejor del pop de “acá”

Este viaje musical se inicia con la unión estrecha entre los excesos de los remotos 80 y la movida underground. En el subte se gesta Soda Stereo, para luego convertirse en un fenómeno masivo, que envuelve a la juventud latinoamericana. Cerati llega a transformarse en la voz que logró que sus canciones se convirtieran en himnos.

Luego de un buen trecho en el viaje, inmortalizó la frase “Gracias Totales” y tomó la arriesgada decisión de seguir en la ruta, sólo con su guitarra. Comienza a pasearse por diversos géneros musicales, tomando como base el rock, pop y electrónica. Jugando con las posibles combinaciones entre ellos, surgen trabajos cercanos al pop-rock, electro pop, experimentación electrónica y hasta la música clásica…
Digamos que ha sido un prófugo que ha probado de todo.


La relación Cerati/ público ha sido inestable, conformando dos extremos
Un sector radical lo ha criticado y tildado de ególatra, desechado por algunos por repetitivo y por enfilar las filas del glorioso/repudiado maisntream. Excomulgado por producirle un disco a una artista como Shakira. Hoy muchos ex -seguidores de su música lo borran de su inventario musical y algunos
lo ocultan como si escucharlo fuese un placer extrañamente culposo.

También ha sido amado a ciegas, por otros que no han superado el boom Soda Stereo, adorándole como el último vestigio de la mítica banda. Y no por sus logros individuales .Pocos han podido alcanzar el equilibrio, olvidar y sobre todo superar los extremos, despojándolo de todo lo anterior.

Cerati más allá de la adoración y el repudio, ha estado en constante movimiento, siendo un hombre más que un mito, su presencia en el ámbito musical latinoamericano ha dejado huellas, siendo leyenda para las nuevas generaciones impulsando directa o indirectamente a noveles músicos argentinos, y dejando una estela que abarca los demás países latinoamericanos.

Aún seduce, con su voz, con el placer de crear y su visión lúdica de fusionar, sin temor de ser fiel a sí mismo, y a lo que necesita expresar

Tiene aún una cosa imposible por realizar: La increíble labor de reinventarse a sí mismo.

Imagén: Somos Rock Files

POR MARIELA CORDERO.
Publicado en Allegro Magazine

Zoé

Zoé
Pop sideral.

Zoé: una palabra femenina, corta, muy fácil de recordar. Es el nombre de la banda mexicana que en la actualidad musical latinoamericana, ha sido protagonista.
Abordando el genero pop/ rock, su sonido ofrece entre otras cosas, una palpable evocación de Los Beatles. Además de gran influencia del rock británico: entre sus acordes se dejan colar aires de Stone Roses , Charlatans Uk , en las guitarras atisbos de The Cure y un poco del espíritu de Depeche Mode.

Zoé, está compuesta por León Larregui (voz y guitarra), Sergio Acosta (guitarra), Beto Cabrera (batería), Ángel Mosqueda (bajo) y Chucho Báez (teclados). Comienzan su travesía al igual que muchas bandas: toques azarosos, apoyo de programas radiales, alimentando poco a poco a un público creciente a base de demos y de persistencia.

Actualmente en su repertorio encontramos tres discos, algunos eps, colaboraciones y álbum de éxitos.
El primero es un disco homónimo, que sale al mercado discográfico a finales del año 2001, acompañado de una intensa campaña de publicidad, para brindar una muestra de su música. Así comienza la euforia, conciertos, entrevistas. Algunos sencillos se convierten en éxitos: “Asteroide”, “Deja te conecto” y “Miel”.
Para el año 2003 aparece su segundo álbum: Rockanlover, donde se percibe con mayor fidelidad sus influencias del rock de los años 70, cargado de composiciones enérgicas: melodía y rock, presentes en temas como “Peace & Love”, “Veneno”, y “Love”. Esta descarga, terminó de convencer al público juvenil.

Lo más reciente surge a mediados del año 2006: su tercera producción discográfica Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea, del que se refleja un sonido más pop que rock, con elementos electrónicos y hasta un poco de psicodelia. Claramente, es un disco con un sonido más laxo, en relación a su trabajo anterior. La estética de este, es un punto importante, totalmente ambientado en el espacio exterior, con recurrentes alusiones al cosmos, plasmadas en imágenes, letras y armonías. Todo esto sumado a buenas letras, e impecable composición. Sencillos como la “Vía Láctea”, “No me destruyas”, “Paula “y el “Corazón Atómico”, son una muestra de acordes primorosos, a veces etéreos y otras densos.

En fin ,un poco de pop sideral, para este planeta.

Publicado en Allegro Magazine

Imagen: Complot

Viejas Canciones

Spinetta
Viejas Canciones

Un disco que llega mis manos en forma inesperada, con tres años de retraso, cosa que es bastante habitual. No es de preocupar a sabiendas que este disco que contiene una parte esencial del itinerario musical de Spinetta, centrado en el concepto de viejas grabaciones, es un disco que no lo arrastra el tiempo. Permanecen estas melodías en el colectivo musical, atemporales .

Son canciones emblemáticas y fundamentales no solo del rock argentino sino también del rock en habla hispana.

Con una bella edición, se antoja como un disco para coleccionar. Con 20 canciones y el pequeño libro que posee una breve pero completa historia de la trayectoria del artista, en tres idiomas: francés, español e inglés, también contiene las letras de las canciones.

Deslumbra con pasajes de Pescado Rabioso e Invisible, como el Blues de Cris y Cementerio Club, recordando esos acordes oímos que Té para tres, conocida canción de Soda Estereo contiene un fragmento de la misma.

También encontramos la siempre magistral Sed Verdadera y Bajan, tema luego cantado por su Cerati en su disco Amor Amarillo.
Canciones como: Doscientos años y Los libros de la buena memoria, aparecen como melodías sutiles, llenas de hermosas metáforas.

El anillo del Capitán Beto, maravilloso viaje psicodélico, una breve historia de ciencia ficción, que pone de manifiesto la sensible imaginación de Spinetta. Los Jade I y II, como extrañas travesías sonoras.
Y Toda la vida tiene música hoy:

“Toda la vida tiene música hoy
todas las cosas tienen música
del sol, de los hombres”

Resulta este disco un compilado indispensable, quien lo escuche será guiado por uno de los artistas mas fielmente comprometidos con la palabra y la música.

Rock con perfume de mujer

María Gabriela Epumer
Rock con perfume de mujer

A cuatro años de su desaparición física.


Maria Gabriela Epumer, mejor conocida como Mapu, vivió enganchada con la música desde su adolescencia, a sus dieciséis inicia su carrera musical participando en la grabación del disco Con los ojos cerrados de María Rosa Yorio. Luego de su debut, forma parte de uno de los capítulos mas interesantes del rock argentino Viudas e hijas del Roque Enrrol, una banda compuesta por mujeres: única y pionera.

Un desafío que mostraba la relación abierta entre rock/ mujer. Aquí, Maria Gabriela se destacó en diversas facetas: cantaba, componía y tocaba la guitarra junto a sus compañeras: a Mavy Díaz, Claudia Sinesi Claudia Rufinatti y Andrea Álvarez. Con viudas e hijas grabó tres discos Viuda e hijas de Roque Enroll, Ciudad catrúnica y Vale cuatro.

Luego de esta experiencia María Gabriela, colabora con muchos artistas de la escena rockera, como Fito Páez, María Rosa Yorio, Luis Alberto Spinetta y Celeste Carballo.

Sin embargo, surge la inquietud de crear un proyecto musical más sólido, y es en ese momento que junto a Laura Gómez Palma, Marcela Chediack forma el grupo Las Chicas, en 1993. Siempre persiste la intención de aportar una visión femenina al rock. Antes ya lo había intentado con Maleta de Loca junto a Claudia Sinesi. Ninguno de los dos proyectos alcanzó la estabilidad deseada.

Pese a estos intentos sin éxito de consolidar un proyecto musical, creado y ejecutado por féminas, Maria Gabriela nunca estuvo inactiva. Como guitarrista fue invitada por Charly García a formar parte de su banda, hecho que definitivamente marcó su carrera musical. Entre 1994 y 1995, grabó con Charly García los discos La hija de la lágrima, Cassandra Lange y Hello,.
A fines de 1995, regresa Viuda e Hijas de Roque Enroll con el disco en vivo "Telón de Crep"., Paralelamente María Gabriela conforma su banda A1 con quien grabó en 1996 "Señorita Corazón", su primer disco, junto a la promoción de su disco seguía acompañando a Charly en giras y grabaciones.

Así comienza a trabajar en lo que sería su segundo disco Perfume, disco que contó con la compañía de artistas como Fernando Samalea, Christian Basso, Robert Fripp, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Claudia Sinesi, Richard Coleman, Francisco Bochatón. Perfume se antoja como un disco cargado de sensibilidad, etéreo y lleno de melodías suaves como el perfume, mostrando el rostro femenino del rock.

Para el 2001 aparece Pocketpop, un EP de dos canciones Despacio y Día de amor , un mini cd empacado en un lata de atún, una presentación bastante llamativa y digna de coleccionar. Estas canciones, bastante frescas y ligeras, revelan el amor en formato pop.

Para enero del 2003, María Gabriela editó The Compilady, un disco que reúne sus temas esenciales, en distintas versiones, remixes, en vivo y nuevas versiones.

En este mismo año, fallece.

Dejándonos siempre sus acordes, sus melodías sutiles cargadas de rock con perfume de mujer.

Misterio Relampago (2006)

Rosario Blefari.

Dos + uno: Surge en la escena musical argentina el tercer trabajo solista de Rosario Blefari. Ataviado con un nombre compuesto por dos palabras excesivamente densas separadas, y aún más unidas: Misterio Relámpago:

El misterio: una palabra que abarca cualquier cosa arcana o muy recóndita, imposible de comprender o explicar .El Relámpago: resplandor intenso y fugaz producido en las nubes por una descarga eléctrica, también aquel fuego o resplandor repentino.

El nombre y el diseño de la tapa del disco, nos conceden atisbos de lo que será oírlo. Una evocación a una oscuridad, no impasible. Si no más bien aguda y colmada de energía.

Así comienza esta experiencia eléctrica , con un lenguaje sencillo y claro, dice lo que quiere decir. En todos los temas se regala una muestra de la conjunción entre brevedad y fuerza. Hay varios pasajes dentro del disco, que nos lleva a sentirnos inmersos en un torbellino de diversas sensaciones.

Descargas, guitarras, y mucho rock, también ceden espacio a melodías sublimes y melancólicas. Demostrando así que la música es transformación constante, y búsqueda incesante.

Ofrece este disco, lo enigmático a veces de la intensidad, la brevedad de la belleza, lo repentino de la fuerza, y la inalcanzable comprensión de la fugacidad.

La leyenda del Espacio: Los planetas

Los Planetas.

A mitad de los 90 surge en la escena musical española, esta banda originaria de Granada. Luego de denominarse Los subterráneos deciden transformarse en astros, bautizándose como Los Planetas
Juan Rodríguez (Jota) y Florent Muñoz, fueron quienes inicialmente tuvieron la idea de unirse para crear música.

Comienzan la aventura con Super 8, su primer trabajo discográfico, en medio del apogeo de la movida indie, este disco fue una muestra de pop inusual, donde resaltaron temas como de De Viaje y Nuevas Sensaciones, hoy forman parte del imaginario musical, como buenos temas de todos los tiempos.

Pop, el segundo en su repertorio, hace alusión a su nombre y su diseño: visiones un tanto psicodélicas y mucho art pop. En este hallamos al Himno Generacional del 83, que efectivamente ha sido convertido en himno, definitivamente una d las canciones favoritas de sus seguidores.

Una semana en el motor de un autobús, surge en 1998, loado por la critica y privilegiado en ventas. Resulta una peculiar forma de recrear un disco: Una semana, un personaje y sus vivencias, todo hecho música en una hora de duración.

Ya en el nuevo milenio Unidad de desplazamiento(2000) y Encuentro con Entidades(2002). Reflejan textos irónicos, con diversos temas y enfoques, aderezados de guitarras impresionantes e hipnóticas y una voz a ratos incomprensible, rasgo que ha marcado la producción musical de esta banda.

Luego Contra la ley de Gravedad.(2004) Sigue así mismo la línea de lo que han realizado anteriormente. Acertando una vez más con canciones como No ardieras, Y además es imposible.

Por ultimo La leyenda del espacio (2007) álbum por demás ambicioso que persigue fusionar rock + flamenco. Cuenta con la colaboración de Enrique Morente “cantaor”, destacando con el tema Tendrá que haber un camino

Insólitamente como solo los Planetas podrían hacerlo

El tiempo de las cerezas

El tiempo de las Cerezas. Bunbury/Vegas

Un disco, que representa una mezcla nunca compacta, compuesta de afines elementos.

Sin duda Bunbury y Vegas, encuentran espacios comunes, compatibles, iconos del rock de todos los tiempos son amados por ambos Bob Dylan, Nick Cave Tom Waits, entre otros.

Un disco doble, compuesto cada uno por 10 temas, donde cada uno imprime letra y voz a 5 temas por cada disco. Reina generalmente un ambiente taciturno, letras bastante melancólicas donde se explora el vacío, crisis existenciales, personales y amorosas, un dejo de nostalgia y a veces breves y pálidos atisbos de esperanza.

Nacho Vegas, como en su voz, como en sus textos, asombra con su visión peculiar y particular del mundo, asume el dolor de forma lacónica. Canciones como Va a empezar a llover : “Yo te quise tanto, hasta que me hubo agotado mi amor por ti”

y a veces sarcástica: La pena o la nada:“Y te vi llorar, un río a cada lado, de tu rostro sin desmaquillar”
“La vida es parte buscar placer y parte hallar dolor”.


Enrique Bunbury, con ironía desengaño y más emocional. Se evidencian en temas como No fue bueno , pero fue lo mejor: “ Todo es horrible o terriblemente bello”

Liberación : En la espina dorsal del universo: “Nadie va a poder detener nuestros remos”

Ahora de Enrique Bunbury y Por la paz de la canción de Nacho Vegas, representan unas de las mejores canciones del disco, donde se evidencia la madurez de ambos cantautores y el logro lírico implícito en el tiempo de las cerezas, entre desengaños: asomos de esperanza.

Antonia Font

Batiscafo Katiuskas

Sublime, profundo y melancólico.

Casi finalizando los años 90, surge en la escena musical española Antonia Font, un grupo con nombre femenino e integrantes masculinos.

Más allá de tener un nombre peculiar Antonia Font, desde sus primeras producciones discográficas, ha logrado cautivar con su singular forma de crear música.
Composiciones, muy bien logradas, letras interesantes, efectos sonoros sorprendentes.

Se mostrarón y fueron perfeccionándose desde su primer disco homonino, (1999). El segundo A Russia , el tercero Alegría.



Taxi, el cuarto de sus discos, editado en el 2004, representa un hito, dentro del sonido que bebían realizando. Un disco completo, conceptualmente enmarcado en el espacio exterior, astronautas, alienígenas, y asteroides conviven dentro de sus letras, que recrean imágenes surrealistas e impresionantes.

Batiscafo Katiuskas es el nombre de su último disco, un viaje introspectivo, lleno de imágenes melancólicas, una tristeza sutil y una mancha de nostalgia, evocan sus letras y sonidos. Con ecos de los años 80,puro pop cantado en catalán.

HIBRIDACIÓN MUSICAL

HIBRIDACIÓN MUSICAL

HIBRIDACIÓN MUSICAL.
Las mil y una formas de fusión en el mundo.

Durante el siglo 20 la música sufrió un proceso de transformación de grandes proporciones. La consolidación de la industria discográfica facilitó el conocimiento de propuestas musicales de muy diverso origen. La globalización, el auge de las telecomunicaciones y los procesos migratorios hacia los centros urbanos ayudaron al acercamiento entre culturas y a que algunas fronteras musicales se difuminaran. Las mezclas han sido de muy variada índole. El recorrido es amplio y extenso: Rock Flamenco, Jazz étnico, etno-techno, blues sahariano, Indian Rock, electro-tango, salsa-rock, reggae, electro-jazz, etc. En todo el planeta se han producido procesos híbridos que han combinado la herencia musical con tradición ancestral con ritmos y sonoridades contemporáneas. El proceso es dinámico.

En este ciclo intentamos presentar el proceso que ha imbricado diversos géneros musicales entre si, con las tradiciones ancestrales y con la tecnología. El programa focaliza su atención en los procesos ocurridos durante la segunda mitad del siglo 20 y la actual década. Un extenso catálogo que abarca a muchos protagonistas, sellos discográficos, festivales, iniciativas, etc.
De manera mas específica nos dirigimos a conocer cual ha sido el proceso evolutivo de la música híbrida o de fusión (también llamada mestiza en este lado del mundo). Cuándo empezó realmente a hablarse de ella como un género en si mismo.
Identificaremos las principales corrientes y la imbricación entre ellas, ademàs de los momentos más importantes de la historia contemporánea. Finalmente buscaremos comprender los aportes más relevantes del proceso de Hibridación y sus componentes sociológicosPrograma:

Jueves 10 mayo
- SUELTA LA MULETA Y EL BASTÓN:
La Hibridación Musical desde el Caribe Urbano
Ponente: Alejandro Calzadilla

Jueves 17 mayo
- EL NUEVO SONIDO DE IBEROAMÉRICA
Un nuevo universo musical, poco conocido. Un recorrido por los movimientos musicales Nopal Beat y Nortec de México, el Templadismo uruguayo, el cruce de Reggaeton con Electrónica del Cono Sur, Rapsón cubano, el nuevo Flamenco español y el Rock Mestizo colombiano.
Ponente: Felix Allueva

Jueves 24 mayo
- AFRICA-BRASIL: DEL TAMBOR AL SINTETIZADOR
Ponente: Gregorio Montiel Cupello

Jueves 31 mayo
- CRÓNICAS BOREALES: Un recorrido por la hibridación musical del Hemisferio Norte: Norteamérica y Eurasia.
Ponente: Juan Carlos Ballesta

Lugar: Centro Cultural Chacao.
Hora 7.30 pm.
Entrada Libre.

Info: Cortesia JC Ballesta

Sebastian Carreras

ONDO: UNO

UNO: es el nombre del disco del proyecto musical ONDO de Sebastián Carreras líder y voz de la banda argentina Entreríos.

Uno es el título idóneo para un disco que significa el riesgo asumido por un músico con deseos de experimentar, y de alcanzar un sonido personal e íntimo.
Expresando uno, no estar dividido en sí mismo, único y sin otro de su especie o la palabra que simboliza la unidad.

De esta forma siendo unidad, se arriesga . Paralelo a su trabajo con la banda.

Con temas que no fueron incluidos en el mas reciente disco de Entreríos, y otros nuevos se compone este disco, donde la experimentación es protagonista. Un recorrido compuesto por trece temas, navegando en una atmósfera de electro / pop.

Ondo en palabras del propio Sebastián posee un “sonido cándido y evasivo y buscan evitar los lugares comunes de producción de música electrónica”.

Representa en la movida musical argentina un disco compuesto por melodías frescas, elaboradas a base de ordenador. Logrando crear un espacio donde puede expresar abiertamente su estilo de hacer canciones, y entregarse a la búsqueda de nuevos sonidos.

Tribop.

Tribob
Volumen I

Un trío de jóvenes músicos, se suman a los que se han arriesgado a construir paisajes musicales genuinos. Volumen I , bajo el sello FNB Grabaciones, cuenta con la producción de Tribop y Rubén Saéz. A su vez músicos como Ezequiel Serrano, Julio Flores y Julio Andrade aportan el sonido del saxo y otros arreglos. Mientras que los scratches del track número 13 son cortesía de Dj MCK de 4to Poder.

Con fluidez, en sus acordes destacan notas de jazz, blues y rock.
Dentro del jazz se han acercado a la especie denominada bop o bebop, el más improvisado del género . Y las pinceladas de rock pueden ser desde el rockabilly hasta el impulsivo rock garage.

Todos estos elementos se encuentran unidos por un mismo hilo: el pop. Con la búsqueda de un sonido propio, y nutriéndose de diversas fuentes musicales, logran compactar lo novedoso y lo primigenio, dando a origen a melodías con reminiscencias, una evocación y a su vez una mirada al venidero panorama musical.

Sus letras plasman imágenes en medio de la hilaridad y la ironía. Narran instantes cotidianos enfocados desde un punto de vista satírico y espontáneo, creando un eco denso y curioso, sin duda una muestra donde convergen la audacia y la calidad

Tribop volumen I. Un recorrido donde el asombro marca el ritmo.

*(Reseña publicada en Allegro Magazine y en la página de la Fundación Nuevas Bandas)

Esquemas Juveniles

Mujer+ Pop+ Audacia =Javiera Mena.

Casi una niña, Javiera Mena resulta una muestra de música independiente chilena. Es la voz, rostro, puño y letra de Esquemas Juveniles, su primera producción discográfica. Puede decirse que la música que realiza es pop. Y esto ya es una audacia: tratar de hacer pop, sin caer en repeticiones, y sin convertirse en otro producto más....

Lo que se muestra en la propuesta musical de Mena, es un pop que coquetea con el folk , elementos electrónicos y lo acústico.

Luego de años de trabajo, y de crear su oportunidad , ahora se encuentra en su mejor momento, en cuánto a difusión y proyección de su propuesta musical. Reconocida en Chile. Actualmente su música ha causado impacto en Argentina, donde ya ha realizado varias presentaciones. Lleva en su itinerario el haber compartido con músicos de grupos chilenos como Congelador y Termita. En Santiago frente a un público enardecido sube a escenario junto a figuras como Rosario Bléfari y María Fernanda Aldana. Y si de productores se trata ha trabajado con Cristian Heyne y Gabriel Vigliensoni.

En cuánto a sus canciones, aunque para algunos sean melodías simples, quizás el mérito se encuentre en poder lograr un tema redondo y sencillo, que además cuente con una letra ligera pero no obvia.
En sus letras, lo que puede parecer predecible no lo es tanto. Esquemas Juveniles, contiene canciones con mensajes sutiles. Es loable que hable de amor sin ser tan evidente.

“las calles que caminé por azar los lugares que he recorrido

me llevaron a ti como pude intuir

que dejabas atrás las preguntas sin más”

Como siempre soñé.

(Una dulzura que no empalaga )
Y

“te espero en la plaza si quieres venir (encuentro que es malo tan luego)

me acuerdo de tí con las canciones de la radio tantas canciones buenas”

(Una melancolía que no desgarra)

Así se muestran las canciones en Esquemas Juveniles, como un catalogo de las emociones y sensaciones que se pueden vivir en la adolescencia:romances, encuentros y desencuentros a ritmo de pop.

Cunaguaro Soul

El 29 en Barrabar

Felicidad Artificial. Gabo Ferro

De Argentina, encontramos a Gabo Ferro reconocido como uno de los cantautores más impecables, en cuànto a voz, arreglos y líricas. Con la aparición de su disco "Canciones que un hombre no debería cantar", aparece en la escena del rock de autor apostàndole a la sensibilidad, desnudando su interior.

El coro de su tema Felicidad Vitamina dice: "La felicidad es artificial/ La felicidad es artificial para mí" frase que nos trae a la mente todo aquello planteado en Mundo Feliz de Aldous Huxley y también en Los Paraísos Artificiales de Charles Baudelaire. La dependencia a las sustancias para crear emociones.

Llama a la reflexión, como poder vislumbrar la felicidad como un estado condicionado creado por el hombre, buscar el bienestar mediante antidepreseivos o el extásis por medio de alucinógenos.

El Hombre se le ha olvidado como sentir, sin ayuda. Y la sociedad, se plantea cada día más enferma, más adicta cualquier tipo de sustancia, o manías y hasta a relaciones.

No existe entonces la libertad de sentir, cualquier tipo de emoción si no está un paliativo de por medio.

Rosario Blefari

Música y Poesía(Argentina)

Mujer, artista plástico, actriz, poeta, guionista, cantante, guitarrista
Compendio de las artes en un solo ser.
Blefari parece pasearse por diversas manifestaciones del arte sin dificultad.

Su carrera musical se inicia con Suárez, banda musical de pop, con influencias indie, caracterizada por letras inteligentes y buenos arreglos melódicos. En Suárez, Rosario representaba la voz y la guitarra, a su vez se hacia cargo de la composición de las letras, influenciada por sus inclinaciones artísticas y literarias.

A partir de la disolución de Suarez comienza una etapa de evolución de la cantante, su primer trabajo como solista Cara(2000),se caracteriza por contener letras con un marcado matiz de poesía simple, buscaba entonces una renovación del pop y rock argentino.

En el 2004 aparece Estaciones, su segunda producción como solista, el cual ha recibido buenas criticas por su contenido pop melódico, letras bien pensadas y el toque poético, que según la misma cantante a veces se confunde una letra de una de sus canciones con alguna de sus poesías.
Los temas abordados en sus canciones se pasean por reflexiones, del amor, y hasta de la maternidad.

La canción que le da el titulo al disco hace referencia al amor, observado en distintas etapas metaforizadas en estaciones, comienza con Verano, el despertar del amor “con la costumbre de verte me empezó a gustar tu suerte y tu vida demasiado cerca de la mía”
Luego sigue el otoño, el miedo, “algo me dices que estas lejos de acá, demasiado lejos”
Con el Invierno llega la separación “Si me equivoque, mejor o peor, quien tiene acaso todo asegurado”
La resignación:”Un tatuaje equivocado, borrarlo duele, es complicado. Próxima estación, primavera sin tu amor”.

Además de Estaciones, hay canciones con interesantes propuestas líricas y melódicas, como Mediodía, Exacto ,Bosque Petrificado.

Panero: el poeta maldito en disco

“Leopoldo María Panero",es el titulo del disco - libro editado por Moviedisco Recors y la editorial El europeo. Esta exquisita rareza fue realizada por cuatro personalidades complejas, Carlos Ann(músico), Enrique Bunbury(músico), José María Ponce(director de cine porno) y Bruno Galindo(periodista).Todo ello resulta una combinación bastante ecléctica y compleja, pero exacta..

La idea surge de Carlos Ann, crear un objeto libro, una obra de arte con los alucinantes poemas de Panero; el mismo presenta fotografías que recrean el universo simbólico del poeta, su imaginario.
El resultado de esta creación fue mucho más que un disco, aparece como una expresión de arte, digna de coleccionar.

Los temas latentes en la poesía paneriana son: la muerte, el caos, la droga: en sus diversas variedades, la soledad, el sexo en sus formas más escabrosas: incesto, necrofilia...el amor visto como un imposible.

Toda una trasgresión y ruptura violenta de dogmas. En el disco se encuentra lo mas representativo de la obra poética del autor; poemas como
La monja atea / Le bon pasteur / Canción para una discoteca / Heroína / The end / Brillo en la mano / En el obscuro jardín del manicomio (poemas del manicomio de Mondragón) / A quien me leyere / Ars magna / Peter punk / Un ángel pasó por Brookyln, El lamento de un vampiro / entre otros.
Leerlo representa un extremo desafío, su amoralidad manifiesta, su contravención a los convencionalismos, hacen de el y su obra algo autentico, que nos quita las vendas y nos coloca frente al espejo de la sociedad y la vida

El disco fue realizado en forma libre, dejando que las emociones llevaran el ritmo, donde los creadores se encuentran inmersos totalmente en el mundo de Panero, porque Panero por si mismo es un mundo.

La letra la pone Panero y las voces Ann y Bunbury, creando un efecto hipnótico y denso, desde la primera canción hasta la última. Un viaje de alrededor de 30 canciones llenas de delirio y rock and roll.

Calamaro en su tinta

Entre frases mordaces, letanías vulgares, figuras clandestinas en movimiento, elixires etílicos, cabaret, prostíbulos y demás escondrijos se gesta el tango a orillas del Plata.

Y Tinta Roja un tango de vieja data (1941), titula al reciente trabajo musical de Andrés Calamaro, tango de principio a fin, un recorrido en tren por diez estaciones, diez de las canciones mas populares en el tango, todas ya despojadas de toda esa procacidad que caracterizaba el origen de este arte.

Esta selección de temas representa el imaginario musical colectivo de muchas generaciones que han tenido como primer acercamiento a la música un encuentro cálido con el tango, Calamaro no escapa a esta atmósfera y se ha envuelto en ella. La intensidad de las melodías, donde reinan la melancolía, el desamor, la perdida y los dolores que lo secundan, son elementos presentes en estas canciones: Por una Cabeza, Como dos extraños, son muestra de ello.

Y así bebiendo de la fuente primaria, Calamaro reinventa, canta las canciones de siempre, imprimiendo su inconfundible sello. Desnudo este hombre del rock, da un giro y presta su voz, esa voz ebria, quebrada y dolorosa, de fondo se trasluce el sonido del piano, el saxo, la armónica, la guitarra y la participación especial de Juanjo Domínguez, el toque flamenco de Montse Cortes, el Niño Josele y Javier Limón como productor.

Dando como resultado, la conjunción de la tradición y la visión singular de un
intérprete pasional e intenso, tan intenso como el tango. Todo cabe una copa de tinta roja, tinta sangre.

Maga: el soundtrack de un sueño

Maga puede ser concebida como la mujer que hace magia, la equivalente femenina del prestidigitador, también es el nombre de un personaje esencial en la novela Rayuela, del escritor argentino Julio Cortazar. Y ésta Maga también alude a la magia, de crear :una misteriosa forma del tiempo, como dijo Borges: La Música.

La agrupación Supertube, un proyecto encabezado por Jordi Gil, reunió hace algún tiempo a los integrantes que actualmente componen a Maga :Miguel Rivera (voz, guitarra, teclados y programación), David García ( batería,) Javier Vega , (bajo), hoy navegando en las aguas del indie pop, pasajes de electrónica, empleo de instrumentos de viento y voz maleable, enérgica o susurrante. Gozan excepcionalmente de una perfecta sintonía entre música, líricas y diseño, ensamblando así, su propio mundo maga, donde no existen fragmentos sueltos. Con dos eps ,Bidimensional y Blanco sobre Blanco, tres álbumes editados homónimos, distinguiéndose con diversas tonalidades: blanco, negro y rojo, todo sobre un mismo cuerpo que funge como lienzo donde recrean metáforas y narraciones poco lineales, letras llenas de signos, o la narración de un sueño inconexo. Travesía por diversos estados de animo, la melancolía, duda, la soledad y el amor.

Escuchar a Maga es internarse en un ambiente donde reina el intimismo, sus melodías etéreas simbolizan la construcción de imágenes como: una habitación intangible llena espejos, juego de sombras, climas plomizos , halos de luz suspendidos. Toda una sonoridad inasible que configura ecos densos y alucinantes.

Con su mas reciente producción discográfica la Maga se atavía de rojo intenso, vital y dúctil, como la magia roja o magia de sangre. Un disco que posee la presencia musical de Florent(guitarrista de Los Planetas),en el tema Paso el Cometa primer single ,Germán Coppini(ex Golpes Bajos) en Trampa en la boca y la especial colaboración de una voz conocida :Andrea Echeverri, en el tema El Cristal por dentro.

Para reiterar, dejemos que fluyan las palabras de Julio Cortázar:

“En fin, no es fácil hablar de la Maga que a esta hora anda seguramente por Belleville o Pantin, mirando aplicadamente el suelo hasta encontrar un pedazo de género rojo” .Cáp. I Rayuela.

La música es poesía

"Como harás para ver y aliviar
el dolor en el jardín de gente
algún acuerdo en tu alma tendrás "Luis Alberto Spinetta


Parece que de algún modo la poesía o esa “camisa férrea de mil puntas: cruentas”que el poeta lleva sobre el alma, como bien Darío lo expresa en su poema XXV, no la llevan como atuendo los hacedores de música, específicamente los que hacen rock. Popularmente conocidos como rock stars, esos grandes iconos exponentes de este género, parecen ataviarse con otra camisa de puntas cruentas, sea literalmente o no.

A prima facie, la poesía y el rock no parecen llevarse bien, o para ser exactos no convergen de ningún modo, representando entonces senderos bastante opuestos.
La forma de hilar un puente entre estas dos formas de expresión, no se vislumbra nada sencillo. Pero se comienza con decir que el rock y la poesía son dos formas de expresión del hombre, de exponer conceptos de distinto modo, y resulta arriesgado decirlo aún, pero el rock también es arte.

Para comenzar a forjar el puente en el abismo, encontramos una figura fecunda en ambas formas de expresión y es precisamente Luis Alberto Spinetta, de quien se puede decir es el pionero del rock en Argentina y también en el resto de Sur América, y a su vez un poeta conocido para algunos y desconocido para otros.

Su prolífica carrera musical,(cuatro décadas de trayectoria) aunado a su constancia y permanencia en el ámbito musical, han hecho de que sea estereotipado como un rock star. Siendo también una gran influencia para los músicos de posteriores generaciones. Y se piensa y donde está la poesía ¿?

La poesía de Spinetta está en un solo libro editado, denominado Guitarra Negra 1978, ejemplar que contiene poemas sueltos y canciones inéditas.
A pesar de sólo haber publicado un solo poemario el artista no abandona la idea de seguir publicando sus textos.
Y no sólo en este libro Spinetta expresa su sentir poético, sino que este se refleja en su música, en sus letras, siendo un cantautor lúcido, sus letras están cargadas de metáforas y luces, intensas.

Sólo la riqueza de su mundo interior, y su creatividad inagotable, han entonces forjado el puente, el rock, el soul y otras géneros presentes en la discografía de Spinetta se han fundido con la poesía, no sólo existe una poesía visual y táctil plasmada en un libro sino también esa poesía auditiva, sonora y cálida: un poema hecho canción.

Sufro,sufro,sufro (2005)

San Pascualito Rey


San Pascualito Rey se arriesga con una propuesta original del dark, imprimiendo en sus sonidos un sello único, un buen acoplamiento entre la oscuro y lo autóctono. Música popular mexicana y dark bien llevados, cuidándose de no ser otro experimento más.

Sufro, sufro, sufro está cargado de líricas con temas que se pasean por relaciones clave como amor / desamor, crisis / catarsis, abandono / entrega, olvido y melancolía.

Te voy a dormir, inicia el recorrido alrededor de 13 tracks, delineando el panorama melancólico, comienza el trazo del desamor y el arduo camino hacia el olvido. Aparecen temas cuyo eje central es la muerte como Espero y Beso de muerto, sin atemorizar estos temas reflejan no la muerte física sino más bien la muerte de un determinado estado o emoción. A mitad del disco nos encontramos con Flush, sin duda el tema más rockero del disco, irrumpe en el panorama taciturno, casi como un reclamo.

Historias ,comienza con voz pausada: “que tal si vienes con un cuchillo en la mano dispuesto a enterrarlo en mi espalda” viene ascendiendo lentamente hasta desgarrase por completo.
Hay temas con marcada influencia de musical tradicional mexicana como Cerquita de Dios .El último track Caminito, sigue en onda mariachi, cerrando el ciclo, despojándose del mal sabor: “voy por el caminito liberando gritos”,con esperanza sin ingenuidad se despeja el camino.

A resumidas cuentas, un disco como exorcismo y extraña oda al desamor, de esos para ser escuchados de principio a fin.

Living Road

Lhasa de Sela
Una voz privilegiada, maleable que puede ser grave o sublime, pero siempre sugestiva.

Living Road 2003. Un disco ecléctico y audaz, donde Lhasa interpreta temas en ingles, francés y español, a diferencia de su primer disco La Llorona 1997, donde todos los temas son interpretados en español

En el están presentes diferentes géneros musicales, como si de alquimia se tratase, se unen para formar un sonido único y particular. Géneros que no suelen abordarse juntos como jazz, mariachi, chanson francesa, el blues, ritmos gitanos de Europa , bolero, soul, flamenco y hasta el klezmer, música de los judíos de Europa Occidental, fue creado en la edad media como compendio de músicas populares griegas, ucranianas, turcas, y rumanas con modalidades judías de rezo.

La composiciones cuentan de historias cálidas, llenas de melancolía, creando una atmósfera densa y envolvente.

Con letras sublimes y poéticas como se evidencia en el tema: Con toda Palabra;

“Me acerco al fuego
Que todo lo quema
La luz de tu cara
La luz de tu cuerpo”

Todo un recorrido por 12 temas, viaje que gira en torno a impecable lírica, voz insondable y sincretismo musical / cultural .